Conhecido por Robocop e O Vingador do Futuro, o cineasta holandês Paul Verhoeven ficou marcado por seu tom irônico e violento. Inicialmente é estranho (e curioso) ver o diretor trabalhar em um filme com estética tão diferente como Elle, que conta a história de uma mulher vítima de um estupro. A escolha é justificada nos minutos iniciais. Disfarçado de um suspense que acompanha a busca por vingança, a obra possui um tom muito mais sádico (que traz até algum sinal de psicopatia nos personagens) do que o material de divulgação pode sugerir.

A narrativa se constrói ao redor da protagonista Michèle Leblanc (Isabelle Huppert,  perfeita no papel), uma senhora que logo no plano de abertura é estuprada por um homem mascarado. Diferente do que se espera, a personagem não se desespera ou demonstra qualquer abatimento. Sua primeira atitude é arrumar a casa, tomar um banho e seguir sua vida. Aqui entra o toque de gênio de Verhoeven. Se em Robocop o holandês fez uma alegoria com o estilo de vida dos americanos, definindo o ciborgue policial do longa como “Jesus Americano”, em Elle há um deboche sobre a forma como Hollywood retrata o estupro.

Michèle não se abate em momento algum e, conforme o filme avança, vemos que a protagonista é atacada de diferentes formas, tanto por seus funcionários (a personagem é dona de uma empresa) quanto por pessoas aleatórias que a vêem na rua. Ela, porém, nunca se insere no papel da vítima que é, sempre aceitando os ataques que sofre. Conforme o motivo de tais ataques é explicado, o espectador entende que essa apatia vem de dois fatores: Michèle já os sofre há décadas e, muito provavelmente, por conta de um trauma da infância desenvolveu problemas psicológicos que a impedem de ver e sentir o mundo como uma pessoa normal.

A grande sacada da construção da personagem é não focar em seu passado. Por ver o filme do ponto de vista de Michèle, o público é poupado de histórias desenvolvidas por diálogos expositivos esdrúxulos, e só tem algum vislumbre de explicação quando a protagonista precisa contar algo relacionado para alguém em sua vida. Elle pode ser visto como um ataque à Hollywood, seus produtores e roteiristas, que usam incessantemente e de forma banal o estupro como ferramenta para construir arcos dramáticos femininos.

Elle, afinal, é a palavra francesa para Ela. A protagonista da obra pode ser vista como uma representação de todas as personagens construídas por estupros ao longo da história hollywoodiana. O abuso não parece novidade em momento algum para a personagem de Isabelle Huppert. Seus transtornos psicológicos, então seriam uma metáfora para a esquizofrenia da indústria atual, tão carente de valor artístico e tão sedenta por mais remakes e continuações efêmeros que em nada enriquecem a arte.

Na construção do arco narrativo de Michlèle, há destaque para o uso de roupas na cor vinho. Um vermelho escuro e às vezes desbotado, simbolizando a sexualidade totalmente reprimida pelo cinema americano. As cores, sempre destoantes das vestimentas dos outros personagens, também são importantes para cimentar o florescer do relacionamento de Michèle com outro personagem que divide seu gosto pela cor. É curioso observar que a personagem em alguns momentos chega a buscar prazer, mas este é negado justamente por ser sua vontade, podendo ser visto como uma análise da necessidade de imposição masculina presente na machista sociedade americana.

A atuação de Isabelle Huppert é simplesmente genial. Praticamente não há variações em suas emoções, criando uma protagonista extremamente forte e segura emocionalmente. A riqueza está justamente em mostrar que, mesmo com seus transtornos mentais, Michèle possui fragilidades ocultas, mas que quando estas são exploradas, a personagem mantém seu olhar seco e postura imponente. Até quando atacada, não demonstra qualquer receio da violência física, pois esta já está em seu âmago há décadas. O tom irônico de seus diálogos também reforça sua justificada dificuldade em sentir empatia pelas pessoas à sua volta.

A montagem também é importante ao construir a diferença entre o que Michèle expõe para o mundo e o que realmente sente. Ao mesmo tempo que não demonstra nenhuma mágoa ou trauma do ocorrido, curtas cenas que mostram fantasias de vingança são inseridas, como se fossem devaneios da protagonista. A justaposição desses devaneios com sua frieza no dia-a-dia evidenciam a interiorização dos problemas psicológicos de Michèle. Algum tempo depois, ela busca se preparar para um possível novo ataque do estuprador, mostrando sua dificuldade em externalizar seus sentimentos, só sendo capaz de procurar ajuda bem depois do ocorrido.

Mas Paul Verhoeven não é um diretor panfletário e muito menos previsível. Seu filme vai além, e a partir da segunda parte da obra vemos mais uma sutil virada no roteiro. Se antes Verhoeven focava em atacar apenas a indústria, agora ele também adiciona à obra sutis mensagens de que não está nem aí para as questões sociais quando estas não interferem na arte.

A maioria dos personagens masculinos do filme é retratada de forma infantil, e a primeira reação deles quando confrontados pelas mulheres é a agressividade. Mas para garantir que uma mensagem generalizadora não seja passada ao público, o filme faz questão  de inserir contrapontos tanto no elenco masculino quanto no feminino. A nora de Michèle se comporta como uma adolescente descerebrada, assim como vemos em seu ex-marido e em seu vizinho traços de inteligência e maturidade antes presentes só nas personagens femininas.

O objetivo do filme, afinal, não é simplesmente escolher um lado numa guerra dos sexos e demonizar o oposto, é atacar a indústria americana. A irônica visão de Verhoeven acerca das personas do filme mostra como ele faz questão de se distanciar de qualquer bandeira política ou social, se importando apenas com a construção artística de Hollywood. O que o holandês parece não entender (ou entende e ignora por receio de soar moralista) é que os problemas da indústria são oriundos justamente de questões sociais externas à arte.

O diretor é assertivo ao enaltecer o protagonismo de Michèle utilizando planos em 360  graus, que sempre começam enquadrando outros personagens e elementos, e durante o giro focam apenas na personagem de Isabelle Huppert, a dona do filme. Ainda há espaço para sutis arcos dramáticos em outros personagens, mas estes são desenvolvidos no extra-campo, pela sugestão. Não vemos as mudanças nos personagens acontecerem, apenas somos informados e, no máximo, vemos algum gatilho que origina essas mudanças. Essa opção é também importante para não tirar o foco da protagonista e de seu simbolismo.

Mesmo não sendo um filme sobre machismo, este é muito bem representado na obra, como em um personagem que só se relaciona com outra mulher para se vingar do ex-marido dela. A necessidade de se impor sobre o sexo oposto é evidenciada em uma cena na qual o mesmo, com os pés, simbolicamente impede uma personagem feminina de se reerguer. Estes momentos, porém, não possuem destaque justamente para evitar o uso de Elle como bandeira social.

Todos esses sutis momentos no filme de Verhoeven e Huppert poderiam proporcionar a melhor obra do ano. Mas, infelizmente, Elle tem seus tropeços. Em algumas passagens, o filme acaba focando na busca pela identidade do estuprador, o que cria um bem-vindo clima de suspense, mas desvirtua a narrativa, que poderia ser mais focada em cutucar a falta de criatividade da indústria e acaba tendo um tom muito ambíguo. Mesmo assim, a obra é inteligente ao afastar a revelação da identidade do criminoso do clímax do filme, inserindo-a no meio do segundo ato, mostrando que, assim como a protagonista, o longa não se importa com a identidade do mesmo.

Elle se junta a Aquarius e Paulina no pódio de filmes com as melhores protagonistas femininas de 2016. Diferente do brasileiro e do argentino, porém, o francês faz questão de enfatizar que não busca explorar questões sociais, apenas criticar como estas interferem na indústria de cinema americana. Buscando sempre um tom desconfortante através de uma paleta de tons escuros com cores dessaturadas, Verhoeven nos proporciona um filme sádico e irônico, capaz  de despertar diversos sentimentos em seu espectador através da violência sugerida e de um denso humor. O holandês entrega uma obra visceral, memorável e inteligente, mas ambígua e incerta quanto a suas ideias.